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La exposición

Lucio Fontana realizó uno de los gestos más extraordinarios y radicales del arte moderno en 1958 cuando rasgó la superficie de un lienzo monocromo con una cuchilla. Esta exposición constituye una revisión del legado del artista. A través de la selección de un centenar de objetos realizados entre 1931 y 1968 —entre ellos, esculturas, cerámicas, pinturas, obras sobre papel y ambientes—, la muestra resitúa su trabajo, a caballo entre la pintura y la escultura, insertándolo en el marco más amplio de una indagación sobre el espacio y la materialidad de la obra de arte.

Primeras esculturas

Formado originalmente como escultor, Fontana desarrolló su carrera entre Argentina e Italia, y esta experiencia transatlántica definió su visión artística. Su trayectoria se inicia a mediados de la década de 1920 en Rosario (Argentina), trabajando en la empresa de su padre, Fontana y Scarabelli, que produce tumbas para los cementerios de la ciudad, poblada de inmigrantes italianos. Posteriormente, el joven artista se traslada a Milán, con el fin de aprender talla escultórica clásica en la Academia de Bellas Artes de Brera; allí afloran los primeros indicios de su antiacademicismo, y opta por la técnica del modelado frente a la talla. Durante los años treinta, el yeso, la terracota y la cerámica definen su producción figurativa, que refleja múltiples influencias, desde los sarcófagos etruscos hasta el Futurismo, y desafía las convenciones de la práctica escultórica. Adopta un estilo figurativo y realista inspirado en los sarcófagos etruscos, como ejemplifican sus retratos femeninos que, en ocasiones pinta en color o dorado. Al mismo tiempo, Fontana absorbe influencias contemporáneas, como el Futurismo, movimiento dominante bajo el régimen fascista italiano. Su trabajo fusiona géneros, temas y referencias históricas, al tiempo que desafía las convenciones de la práctica escultórica.

Concepto espacial: cortes y agujeros

Fontana creó sus obras más emblemáticas bajo el influjo de la Guerra Fría, un período marcado por la permanente amenaza nuclear y la investigación internacional centrada en la carrera espacial. Bajo el título de Concepto espacial, sus primeras series de pinturas perforadas fueron ideadas como pantallas para la transmisión y el filtrado de la luz eléctrica. Empleando el lienzo tensado como soporte, Fontana se dispuso a transformar de manera radical la tradición occidental de la pintura de caballete. Los agujeros (buchi) evolucionan para convertirse en sensuales rasgaduras, y el artista adopta el vacío como centro absoluto de su práctica. Realizado en 1958, el primer corte (taglio) de Fontana estableció su gesto más característico. El artista aplicaba pintura en toda la superficie del lienzo; después, realizaba un corte con una navaja afilada y, a continuación, moldeaba la abertura directamente con las manos, adhiriendo en ocasiones un trozo de gasa negra en el reverso. Con el tiempo, los cortes fueron más rectos y calculados. En alusión al laborioso proceso de preparación, anticipación y crucial irrupción del corte, Fontana se refería a muchas de estas pinturas como “esperas” (attese). Paralelamente, también desde finales de los años cincuenta, Fontana comienza su exploración de las posibilidades de los lienzos de formas inusuales, como lo demuestra la poliédrica serie Los Quanta. El uso de soportes heterodoxos culminaría en su serie Fin de Dios (Fine di Dio), un conjunto de “huevos astrales” pintados en brillantes colores sintéticos cuyas superficies perforadas evocan el origen del cosmos y la sensación de sobrecogimiento que embarga al ser humano cuando contempla el espacio infinito.

Naturaleza

Aunque en la cima de su carrera Fontana era principalmente conocido como pintor, utilizó el lienzo por primera vez cuando contaba 51 años de edad, quedando durante toda su vida vinculado a la escultura. En la década de 1950 el movimiento conocido como Art Informel o Informalismo había sentado las bases estilísticas de la pintura europea tras la Segunda Guerra Mundial. Fontana era sensible a esta tendencia puesto que su proceso creativo, semipictórico y semiescultórico al mismo tiempo, era similar al del modelado de la arcilla. Al final de los años cincuenta, comienza a trabajar en una serie de esculturas de color titulada Naturaleza en su estudio de la localidad de Albissola. El artista describió aquellas grandes bolas de terracota de aspecto tosco y cubiertas de orificios y cortes  como “una nada, o el comienzo de todo”.

Ambientes espaciales

Fontana fue uno de los autores del Manifiesto Blanco (la primera declaración del Espacialismo), redactado en Buenos Aires en 1946. A la luz de los nuevos descubrimientos de la física, desde la relatividad hasta la mecánica cuántica, el manifiesto promovía el empleo de las nuevas tecnologías y la ampliación de la obra del arte a la cuarta dimensión. Tres años más tarde, ya en Milán, Fontana comenzó a realizar sus Ambientes espaciales, que experimentaban con el espacio y la luz. En ellos empleó el tubo de neón, elemento que serviría como punto de partida de otros desarrollos posteriores en el arte de la instalación. Con su práctica multidisciplinar, Fontana amplió la noción de experiencia artística para incluir en la obra de arte el espacio que rodea al espectador.

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